La importancia del Códice Calixtino

“Cuatro son los itinerarios que conducen hacia Santiago y que en Puente la Reina, en tierras españolas, confluyen en uno solo. El primero pasa por Saint-Gilles, Montpellier, Tolosa y Somport; el segundo por Santa María del Puy, Santa Fe de Conques y San Pedro de Moissac; el tercero, por Santa María Magdalena de Vézelay, San Leonardo de Limoges y la ciudad de Pérogueux; y el cuarto, por San Martín de Tours, San Hilario de Poitiers, San Juan d'Angély, San Eutropio de Saintes y la ciudad de Burdeos. La ruta de Santa Fe, la de San Leonardo de Limoges y la de San Martín de Tours se juntan en Ostabal y pasado el Port de Cize se unen en Puente la Reina a la ruta que pasa por Somport, formando desde allí un solo camino hacia Santiago”.

Lo que acabo de reproducir es el primer capítulo titulado “Los itinerarios hacia Santiago”, perteneciente al libro V del Códice Calixtino, la obra centenaria más conocida vinculada al Camino de Santiago. En este libro V se relata -con el rigor que, en el siglo XII, se sabía y se podía dar- las jornadas del Camino, los nombres de los lugares, los ríos que recorrían ese Camino hacia Santiago, las peculiaridades de las gentes de esas tierras, la descripción de la ciudad compostelana y de su basílica, e incluso el tipo de acogida que había que brindar a los peregrinos a su llegada a la ciudad santa.

Ya ha pasado todo el revuelo mediático ocasionado por la enigmática “volatilización” y “eléctrica” aparición, un año más tarde, del ya famoso Codex Calixtinus, así como la ridícula parafernalia política y religiosa que se generó tras su hallazgo. Y digo “ya famoso”, porque, antes de su desaparición, sólo unos muy pocos expertos profesionales del arte, de la literatura, y trabajadores de los archivos eran conocedores y conscientes de su gran valor.

Para la inmensa mayoría de los mortales, hasta hace algo más de un año, el Códice era una obra completamente desconocida. Aún hoy en día, después de su esperpéntica y surrealista “evasión” y feliz localización y recuperación, el Códice sigue siendo para muchos ciudadanos un libro antiguo, un manuscrito apenas valorado. Posiblemente, muchos de esos ciudadanos se hayan preguntado por qué la desaparición de un libro viejo, con varios siglos a sus lomos y entre sus páginas, haya despertado semejante expectación entre un pequeño círculo de profesionales e investigadores de nuestra historia.

Pues bien, recordando los conocimientos obtenidos sobre este manuscrito miniado durante mis estudios de Bachillerato y de la Universidad, intentaré defender, desde este blog, el valor de una obra literaria colectiva olvidada que, por desgracia, no es la única que descansa en la relegación.

Se trata de una magnífica pieza bibliográfica de 225 folios que se concibió con la intención de favorecer, durante la época medieval, la peregrinación a la ciudad compostelana, y para difundir la veneración y el fervor religioso por el Apóstol Santiago. Como bien dice Francisco Singul en su obra “Historia cultural do Camiño de Santiago”, “Trátase dun monumento bibliográfico ó culto xacobeo e ó Camiño de Santiago, unha especie de “biblia” ou “enciclopedia” da peregrinación occidental”.

Su designación culta es la de “Liber Sancti Jacobi”. El Códice es una de las cinco copias que existen, creo que la más antigua. Las cuatro reproducciones restantes se reparten por la Biblioteca Universitaria de Salamanca, la Nacional, el Vaticano y la British Library de Londres. Su nombre tiene que ver con el Papa Calixto II que promovió la compilación de varios textos concernientes al Apóstol Santiago.  Fue el arzobispo Diego Xelmírez, allá por el siglo XII, el que ordenó la copia de esta obra estructurada en cinco libros:

    -          El libro I, el de la Liturgia: abarca aspectos relacionados con las celebraciones realizadas en el templo compostelano.

-          El libro II, el de los Milagros: relata veintidós milagros atribuidos al Apóstol.

     -          El libro III: narra la traslación del cuerpo del Apóstol desde Palestina  hasta Santiago, llegando, primeramente, a Iria en barca, después de un viaje de siete días.

-          El libro IV, el denominado también Historia Turpini o pseudo Turpin (Turpín fue un arzobispo de Reims, de la época de Carlomagno; aunque también se cree que el autor pudo haber sido otro religioso anónimo, de ahí que reciba el calificativo de pseudo-Turpin) relata, principalmente, las aventuras legendarias de Carlomagno por Hispania.

-          Y, por último, el libro V, quizá el más atractivo, considerado como la guía de los peregrinos por el Camino de Santiago. Se trata de la primera “guía turística” que, a lo largo de sus once capítulos, facilita las indicaciones y nombres de lugares de la ruta jacobea, así como datos geográficos y sobre la condición y personalidad de las gentes que el caminante va dejando a su paso; posibilitando, de esta forma, la llegada de aquellos viajeros hasta la tumba del Apóstol en Santiago de Compostela. Además, como ya indiqué al comienzo de este escrito, realiza una exposición detallada de la urbe compostelana y de su catedral en construcción. Su autoría se le atribuye a Aymeric Picaud. Narra las experiencias vividas por este autor durante su peregrinaje a Santiago allá por el siglo XII.

“La ciudad de Compostela está situada entre dos ríos llamados Sar y Sarela. El Sar se encuentra al oriente entre el Monte del Gozo y la ciudad, y el Sarela al poniente. Las entradas y puertas de la ciudad son siete. La primera entrada se llama Puerta Francesa; la segunda, Puerta de la Peña; la tercera, Puerta de Sofrades; la cuarta, Puerta del Santo Peregrino; la quinta, Puerta Falguera, que conduce a Padrón; la sexta, Puerta de Susannis; y la séptima, Puerta de Mazarelos, por la que llega el precioso licor de Baco a la ciudad”.

              (Capítulo IX del Libro V del Códice Calixtino. “Características de la ciudad   y  basílica de Santiago Apóstol en Galicia”)

Está claro que ni los relatos decimonónicos de ilustres viajeros y aventureros, ni las antiguas guías y demás folletos turísticos de diversas editoriales, nacidas en el siglo XX, se pueden vanagloriar de haber elaborado la primera guía para viajeros, turistas, caminantes y peregrinos. ¡¡¡No señor!!! Han sido, ni más menos, que el autor o los autores del quinto libro del Codex Calixtinus los que deben recibir el renombre de haber proyectado esa primera guía turística del Camino Jacobeo y que, partiendo desde Francia, muestra las indicaciones sobre la ruta y lo que se puede encontrar el viajero durante esta esforzada senda.

Se trata, en definitiva, de un tesoro de la cultura gallega con un valor incalculable, una obra artística, literaria, incluso musical (recoge piezas polifónicas relacionadas con el culto al Apóstol y consideradas como las primeras composiciones musicales europeas, por lo que es un importantísimo documento que ayuda a conocer la historia musical de aquella época)  y, porque no, también identitaria, un manuscrito trascendental, excepcional y fundamental, un trozo muy destacado de nuestra propia historia que forma parte del patrimonio cultural gallego y también nacional.

“…pasados los Montes de Oca, en dirección a Burgos continúa el territorio español con Castilla y Campos. Es una tierra llena de tesoros, de oro, plata, rica en paños y vigorosos caballos, abundante en pan, vino, carne, pescado, leche y miel. Sin embargo, carece de arbolado y está llena de hombres malos y viciosos.

Viene luego la tierra de los gallegos, pasados los confines de León y los puertos de los montes Irago y Cebrero. Es una tierra frondosa, con ríos, prados, de extraordinarios vergeles, buenos frutos y clarísimas fuentes; pero escasa en ciudades, villas y tierras de labor. Es escasa en pan, trigo y vino, pero abundante en pan de centeno y sidra, bien abastecida en ganados y caballerías, en leche y miel, y en pescados de mar grandes y pequeños; rica en oro, plata, telas, en pieles salvajes y otras riquezas, y hasta muy abundante en valiosas mercancías sarracénicas. Los gallegos son el pueblo que, entre los demás pueblos incultos de España, más se asemejan a nuestra nación gala, si no fuera porque son muy iracundos y litigiosos”.

               (Capítulo VII del Libro V del Códice Calixtino. “Nombre de las regiones y características de las gentes del Camino de Santiago”)

Ialma

Se llaman Ialma, término que, si no me equivoco, hace alusión al espíritu, al sentimiento, a la sensibilidad. Y sensibilidad no le falta a este grupo de cinco jóvenes mujeres –Verónica Codesal, Natalia Codesal, Nuria Aldao, Marisol Palomo y Magali Menéndez-, residentes en Bruselas, hijas de emigrantes gallegos, que difunden, allá por donde van, con sus deliciosas voces y su saber hacer en los escenarios, viejas canciones de la cultura musical gallega, aderezadas algunas de ellas con ritmos nuevos y actuales.

Como información anecdótica para los fanáticos y fieles seguidores del festival de Eurovisión –que habelos hailos, aunque yo no me incluyo, en absoluto-, una de las componentes de Ialma -Verónica Codesal- participó con su grupo “Urban Trad”, en el año 2003, en ese hastiado evento musical representando a Bélgica y consiguiendo el segundo puesto en la clasificación.

A estas cinco integrantes de Ialma las descubrí, casualmente, en un programa de televisión, y quedé prendada de sus voces, de sus ritmos, de sus cantos, de su armonía y del sentimiento que desprenden sobre las tablas, hasta el punto de que, musicalmente hablando, las considero igual de excelentes que Leilía, mi otro grupo favorito de pandereiteiras y cantareiras gallegas.

A pesar de que viven en Bruselas, no han perdido la relación ni las raíces que las vinculan muy fuertemente a Galicia. Durante sus más de 10 años ligadas al mundo de la música de honda raigambre gallega, reuniendo viejos cantares fielmente conservados por las antiguas cantareiras gallegas, han sabido mostrar y transmitir por Europa adelante, como muy pocos, esas melodías y sonidos propios de esta tierra. Lo que es una lástima es el casi nulo reconocimiento que en Galicia se hace de los trabajos musicales de estas cinco grandes intérpretes que se esfuerzan por difundir la cultura gallega, acompañadas, siempre, sobre el escenario, por unos excelentes músicos. Sus proyectos musicales son mucho más ampliamente valorados en Bélgica y en otros países europeos que en este territorio del noroeste peninsular. Según declaraciones realizadas por alguna de sus integrantes, Galicia es el lugar en donde han dado menos conciertos. ¡Una pena…! Ya se sabe que nadie es profeta en su tierra……

Hasta ahora, Ialma ha editado cuatro discos. Su último trabajo se titula “Simbiose” y nació para celebrar sus 10 años en el mundo de la música. Doce temas lo componen y varios colaboradores del mundo cultural gallego han participado en la creación de este nuevo proyecto: el actor y humorista Carlos Blanco, el vigués El Puto Coke, el escritor Xabier Queipo, la familia Seivane -artesanos de la gaita-, el diseñador David Aranda o el cineasta Enrique Otero. Cada uno de los temas está dedicado a algún aspecto de la cultura gallega. Quedan reflejados, de esta forma, en este elaborado trabajo discográfico, el cine, la gastronomía, el baile, el diseño, el arte urbano, la artesanía, el humor, la literatura, el dibujo e incluso la viticultura. Como bien dice una de las integrantes del grupo en una entrevista: “El objetivo es que el público europeo conozca Galicia no sólo a través de la música, también del arte, literatura, gastronomía, viticultura, etc. Galicia tiene muchísimo que ofrecer en muchos aspectos.”

De sus proyectos discográficos publicados, yo sólo conozco “Simbiose” y “Nova Era”. Los dos primeros discos -“Palabras darei” y “Marmuladas”- no he tenido, todavía, la ocasión de escucharlos. Dificultades de distribución y la imposibilidad de adquirirlos me han impedido conocerlos.

Después de haber escuchado “Simbiose”, llegué a la conclusión de que, con respecto a “Nova Era”, su anterior proyecto, se detecta una clara evolución e innovación musicales marcadas por cadencias y armonías actuales, por estilos y sonidos nuevos y contemporáneos, por influencias y fusiones con el pop e incluso el rap, pero siempre bebiendo de la tradición y sin olvidar las raíces ni la identidad gallegas.

Cuando escuché “Simbiose”, me sorprendió la versión que hacen del tema de The Bangles “Walk like an Egyptian” y que lo titulan “Dance like a Galician”. Pero si tengo que elegir una composición de este último disco, me decanto por “Voltar” y, muy especialmente, por el vídeo de esta canción, grabado en uno de sus conciertos y que lo podeis visualizar más abajo, junto con otros dos temas. Me embelesa no sólo esa melodiosa pieza musical y la dulzura de la voz de Verónica Codesal que la interpreta, sino la compenetración que, a través de una sencilla coreografía, de unos simples giros y pasos de baile y de miradas cómplices, muestran en el escenario tanto ella como el magnífico acordeonista que la acompaña y que, si no me equivoco, se trata de Didier Laloy.

A pesar de la calidad de su nuevo disco, a pesar de las innovaciones que realizan en él, personalmente me quedo con los cantares de índole más costumbrista y tradicional de “Nova Era” –simplemente es una cuestión de gustos-, quizá porque con ése, su penúltimo trabajo, descubrí el alma de Ialma.

Os dejo aquí, los vídeos de sus temas "Voltar" y "Na Iauga" de su album Simbiose y la preciosa composición "Marmuladas". Podeis visionar más vídeos de sus trabajos musicales en youtube. Espero que los disfruteis.

Música para el mudéjar

Así se titula un magnífico libro-disco que adquirí durante mi visita a la pequeña y preciosa ciudad de Teruel. Se trata de una joya musical en la que se pretende, como así comenta Javier Sáenz en la introducción, “…ambientar musicalmente uno de nuestros patrimonios con reconocimiento mundial, el mudéjar.” Y creo que el proyecto de musicalizar este patrimonio turolense ha sido todo un logro.

En esta antigua ciudad, de angostas calles y plazas pequeñas e irregulares, convivieron, durante siglos, cristianos y musulmanes. Nos remontamos a una España medieval en la que los reinos cristianos del norte peninsular consiguieron avanzar hacia el sur reconquistando, así, los territorios arrebatados por el Islam siglos atrás. La tolerancia religiosa que parecía existir en aquella España con unas peculiares circunstancias históricas, sociales, políticas y culturales posibilitó el mantenimiento de la población vencida musulmana a la que se le permitió conservar su organización social, su lengua, su cultura y su religión.

“Mudayyan” es el término árabe que, a lo largo del tiempo, ha derivado en “mudéjar” y que significa “aquel a quien ha sido permitido quedarse”. La arquitectura mudéjar de la ciudad de Teruel es, pues, el resultado enriquecedor del arte hispanomusulmán que se desarrolló en el seno de una sociedad cristiana, un fenómeno artístico único surgido de esa convivencia religiosa, política, cultural y social durante la España del medievo. El arte mudéjar es uno de los tesoros indiscutiblemente más destacados del patrimonio cultural aragonés. Ha recibido influencias tanto del arte hispanomusulmán como del cristiano medieval. Como consecuencia, la encantadora ciudad de Teruel fue un gran centro de obras artísticas durante la época medieval, creaciones arquitectónicas y artesanas que el devenir de los siglos ha respetado magnificando la belleza mudéjar de los monumentos de la ciudad de Teruel y que han sido declarados Patrimonio de la Humanidad en el año 1986.

Y entre esos monumentos más antiguos y fascinantes de este arte mudéjar único que se han conservado en esta pequeña población aragonesa destacan la torre de la actual catedral -heredera de la iglesia de Santa María de Mediavilla-, la torre y el claustro de la iglesia de San Pedro, la torre de San Martín y la majestuosa torre de El Salvador. Todas ellas son, además, torres campanarios, y representan el símbolo más legítimo y puro del mudéjar aragonés.

Esta arquitectura ha desarrollado una elegante decoración de arcos lobulados entrecruzados, ventanas abocinadas, ajimeces y arcos de medio punto.

  

Por suerte, el mudéjar se ha afianzado tan fuertemente que ha pervivido, desde entonces, en otras construcciones posteriores a pesar de la llegada de nuevas corrientes artísticas. Un ejemplo es la Torre de la Merced construida durante la Edad Moderna. Y ya, en la segunda década del siglo XX, una gran escalinata, flanqueada por dos pequeñas torrecillas, unirá la estación del ferrocarril de la ciudad con el paseo del Óvalo. Está considerada como la gran obra pública neomudéjar. En ella, además, se puede admirar el relieve de los Amantes de Teruel, realizado por Aniceto Marinas.

Precisamente, pegado a la iglesia de San Pedro, se encuentra el Mausoleo de los Amantes de Teruel, un centro de interpretación que no sólo nos ilustra sobre la trágica historia de amor de ambos protagonistas –Isabel de Segura y Juan Martínez de Marcilla- sino que también nos permite observar sus restos momificados que descansan en dos bellos sarcófagos de celosía, labrados en alabastro y realizados por Juan de Ávalos a mediados del siglo XX. Este curioso centro de interpretación se ha convertido en lugar de peregrinaje para cualquier visitante que se acerque a Teruel. Ambos amantes, junto con el famoso Torico –la pequeñísima escultura de un toro que, desde una alta columna, vigila todo lo que acontece en la céntrica y simbólica Plaza del Torico- son emblemas representativos, identificativos y muy respetados por los turolenses y que forman parte de la historia de su ciudad.

En Teruel, la arquitectura va indisolublemente unida a una colorida y profusa decoración mudéjar para la que se emplea cerámica vidriada verde, blanca, de color miel, negra, amarilla y azul. Esas piezas de cerámica como los fustes, azulejos, platos… se colocan, a modo de friso, en los muros de ladrillo de las construcciones con el objetivo de conseguir color y luz sobre ellos, creando, además, en algunos casos, auténticos tapices decorativos. En los momentos en los que la luz solar incide sobre las piezas de cerámica es cuando estos magníficos edificios mudéjares alcanzan su significado total.

En definitiva, el mudéjar es, quizá, la contribución más auténtica del patrimonio artístico español al arte universal. Pero no pretendo que este artículo se quede en una simple referencia a ese arte mudéjar de la ciudad de Teruel, sino que lo que busco es manifestar mi reconocimiento absoluto por un hermoso trabajo musical que tiene como referencia única esta corriente artística.

Y es que fue precisamente durante el recorrido por el interior de una de las torres mudéjares de la ciudad de Teruel cuando descubrí esta magnífica obra. Mientras subía las escalinatas de la torre de El Salvador y paseaba por sus pequeños espacios y estancias superpuestas, la creatividad musical de Javier Mas y Luis Delgado –se dice que son dos de los músicos que mejor saben interpretar la música andalusí- me seducía en cada uno de los rincones, en cada uno de los peldaños, en cada uno de los ladrillos de la torre, creando una atmósfera musical sugerente y cálida con cada una de las hermosas notas que desprendían instrumentos como el archilaúd, el laúd, la bandurria, el contrabajo, la viola, el acordeón, el clarinete, o los atractivos sones de los instrumentos de origen africano como el sentir, el riq, las karkabas, el udu, las percusiones de agua..; melodías acompañadas, en un par de piezas, por la cautivadora voz de Abdeljalil Kodsi y los coros de Abdelaziz Arradi y Moulay M´Hamed Ennaji que colaboran en este disco.

Son seis los temas que componen este proyecto. Los cuatro primeros –Nostalgia del  mudéjar, Yalulid, Fi lílíet Samar y Aljafería- fueron compuestos por Javier Mas, un admirable músico aragonés, considerado como uno de los más completos dentro del panorama musical actual. Javier Mas es compositor, arreglista, intérprete, director musical, acompañante de otros magníficos intérpretes como Carlos Cano, María del Mar Bonet y del mismísimo Leonard Cohen.

Los dos temas restantes – Tirwal y La Torre de El Salvador-  fueron creados por Luis Delgado, multiinstrumentista, investigador, productor, asesor musical, compositor y colaborador también de otros grandes artistas como Amancio Prada, Kepa Junquera, Emilio Cao…, además de formar parte del Quarteto Medieval de Urueña. Aquí me voy a permitir la licencia de realizar un breve inciso para quien no haya oído nunca mencionar esta pequeña villa vallisoletana. Se trata de un pueblo que ha trabajado arduamente para impulsar un magnífico patrimonio cultural digno de conocer. Entre sus acertadas iniciativas se encuentra el Museo de las Campanas, el del Gramófono o el de la Música cuyos fondos, para este último, han sido cedidos, precisamente por Luis Delgado.

Ambos músicos, Javier Mas y Luis Delgado se han dejado seducir por esta arquitectura de ladrillos, de cerámica, de yeso, por sus efectos coloristas y lumínicos; recreando su nostalgia, sus añoradas escenas e imágenes de otras épocas, de otra vida mudéjar, en el primer tema “Nostalgia del mudéjar”; musicando los ritmos populares de la ciudad de Marrakech en “Yalulid”; evocando al gran maestro y músico nubio Hamza El Din en “Fi lílíet Samar”; realizando un gran homenaje musical a la Aljafería de Zaragoza en “Aljafería”, a la preciosa ciudad de Teruel en “Tirwal” y al mudéjar turolense en el último tema del disco “La torre de El Salvador”. En definitiva, han sabido musicalizar, como nadie, este patrimonio artístico tan genuino. Escuchar las notas melodiosas de este disco nos traslada a la fascinante época medieval turolense y a los inicios del arte mudéjar que no sólo se puede conocer y disfrutar observándolo, palpando sus viejos ladrillos, sino también percibiéndolo por el oído a través de estas hermosas melodías que nos sumergen en un atractivo universo sonoro de mestizaje artístico, de mezcla de culturas.

Este excelente trabajo musical que ayuda a complementar el conocimiento y el disfrute del  hermoso arte mudéjar, especialmente aragonés, va acompañado, además, por un breve pero interesante libro que lo explica.

Recorrer la acogedora ciudad de Teruel, conocer todo su acervo mudéjar, perderse por la calidez de sus espacios intimistas, por sus ambientes de misterio y de recogimiento, dejarse seducir por la luz tamizada del interior de sus arquitecturas,  escuchar sus silencios, sus hermosas melodías ha sido todo un placer para la vista y para el oído.

Doa o la belleza de la lírica medieval

Pero Meogo, Martín Códax, Joán Zorro, Don Dinís, Pero da Ponte, Joan Airas, Fernando Esquío, Meendinho, Afonso Eanes do Cotón, Airas Núnez, Afonso X O Sabio, Sancho I,… Podría seguir enumerando otros nombres de trovadores míticos de la lírica medieval gallego-portuguesa pero, sencillamente, ahora mismo no recuerdo más, ni tampoco pretendo que esta reseña se quede en una simple relación de los cerca de 150 grandes compositores líricos del período trovadoresco galaico-portugués que abarca desde el año 1200, aproximadamente, en el que parece que está fechada la cantiga más antigua, hasta los alrededores del 1350 en el que empieza a decaer esta lírica y toma auge nuestra prosa medieval.

Todos ellos son los protagonistas de una rica cultura trovadoresca. A algunos de ellos y sus deliciosas cantigas los he rememorado hace unas cuantas semanas gracias a Doa, otro de mis últimos descubrimientos musicales.
Cuando me enteré por la prensa de que Doa había editado un nuevo trabajo discográfico, “A fronda dos cervos”, y que lo componen temas basados en las Cantigas de Afonso X O Sabio, así como cantigas de amigo, de amor, de escarnio y maldizer, escritas por mis adorados trovadores medievales, incluyendo, también, el “Sancti Iacobi” -una pieza musical del misteriosamente desaparecido Códice Calixtino-, me dirigí, rauda y veloz, a mi establecimiento habitual en el que compro este tipo de música con el objetivo de adquirirlo, y con la esperanza de que no me pusieran ningún inconveniente para pedirlo a la distribuidora, en caso de que no figurase dentro de las existencias de la tienda. Ya se sabe que con esto de Internet no son buenos tiempos para la lírica….

Yo, que me jacto de conocer los proyectos de unos cuantos grupos musicales y solistas gallegos y algunos de sus magníficos y nunca suficientemente valorados trabajos que han realizado y realizan con el laudable intento de no perder ni olvidar nuestras raíces musicales, se me quedó por el camino Doa. ¡¡Vaya despiste imperdonable!! Más que de un despiste, se trata de ignorancia pura. ¡¡¡¿Cómo fue posible, sino, que se me pasasen por alto los trabajos de este veterano grupo gallego, que se formó hace algo más de treinta años, y que es considerado como uno de los precursores del folk en Galicia, de la música celta y del resurgimiento de nuestra música medieval?!!!!

Después de escuchar los temas de su último disco, descubrí una banda que desprende sonidos fuertemente mágicos que me trasladaron a la época de los primeros trovadores que he mencionado al comienzo de este escrito y que, además, me traen recuerdos de mis clases de literatura -tanto del bachillerato como de mis últimos años universitarios- en las que había estudiado, leído y aprendido a interpretar algunas de las cantigas de aquellos magníficos compositores de la Edad Media. Fue precisamente durante dos épocas diferentes de mi vida cuando descubrí y redescubrí los melodiosos versos de una lírica que desprende belleza y armonía sólo por su simple sencillez compositiva y melodiosa.

Xaquín Blanco (flauta, gaita y oboe), Xoán Piñón (guitarra eléctrica, acústica y laúd, además de ser el autor de las evocadoras fotografías de “O Courel” que ilustran el librillo que acompaña al CD), Bernardo Martínez (percusión y teclados), Óscar Fernández (zanfona) y la agradable y dulce voz de Susana Lorenzo, poseedora de una gran técnica vocal, son los integrantes de esta veterana formación con cinco discos en el mercado.

Este mimado y soberbio trabajo discográfico es todo un tesoro musical, un proyecto temático, complementado por un hermoso texto introductorio de la poetisa gallega Eva Veiga y por una breve referencia a la lírica gallego-portuguesa con pequeños comentarios a cada uno de los temas que lo componen, realizados por el filólogo Federico Pérez, especialista en literatura medieval. En este disco, además de tres temas instrumentales, Doa experimenta adaptaciones y reinterpretaciones propias: combina las músicas de las Cantigas de Santa María de Afonso X O Sabio con las letras de nuestros trovadores gallego-portugueses.

El resultado ha sido todo un éxito. Los amantes de este género literario y musical podemos disfrutarlo escuchando temas variados que van desde las cantigas de amigo como la de “Verdes herbas”, con la evocación de los ciervos -animales con una fuerte simbología erótica-, hasta la considerada, por los mismos componentes del grupo, como la primera canción protesta, “Porque no mundo menguou a verdade”, pasando, incluso, por la juzgada como la primera canción feminista, “O Maroot” y, por supuesto, sin olvidar otras cantigas de amor y de amigo en las que la mujer ocupa un papel relevante, composiciones famosas de carácter amoroso que muchos aficionados a la buena literatura las tenemos memorizadas como la de “Levou-s’a fremosa” o la de “Sedia-m’eu na ermida de San Simon”, muchas de ellas evocadoras, además, de milenarios bosques, con sus prados, sus fuentes y sus fontanas, ambientes que propician el encuentro idílico.

Un título evocador para un disco de culto de un grupo también de culto que se aleja, por suerte, de las músicas basuras comerciales e industriales, de usar y tirar, que hoy en día resuenan por todos lados y que no duran ni un telediario. La música de Doa se preservará imperecedera y será recordada ajena a todo tipo de modas, costumbres y usos musicales, igual que siguen siendo rememoradas, después de más de nueve siglos, las bellas cantigas medievales que forman parte, indudablemente, de un importantísimo y enriquecedor patrimonio literario y cultural.

Davide Salvado, Árnica pura

Descubrí a Davide Salvado en un veterano programa nocturno de la televisión gallega, emitido en horario de máxima audiencia la noche de los viernes; un programa musical y de variedades, desacreditado por muchos, pero que, en cambio, resulta ser una plataforma de lanzamiento de algunos de nuestros músicos gallegos para publicitar su primer trabajo discográfico, o bien un medio para dar a conocer los últimos proyectos de grandes artistas y grupos, también gallegos, y ya consagrados.

Así que, estaba yo aquella noche de recorrido televisivo por cuanto canal encontraba, buscando desesperadamente algún programa que me interesase (que ya es raro que lo localice), cuando un rostro masculino acaparó mi atención en la TVG. Un rostro masculino que me resultaba familiar, un rostro masculino moreno y atractivo; un rostro masculino sombreado por una incipiente barba correctamente desaliñada, un rostro y un cuerpo masculinos que podían atraer tanto a hombres como a mujeres. Mientras el presentador del programa realizaba el discurso introductorio a la actuación de Davide -el dueño de aquel rostro y de aquel cuerpo-, además de la presentación de su primer trabajo discográfico, "Árnica pura", me dio tiempo a radiografiar su inesperada indumentaria y su llamativo estilo: pantalones vaqueros ceñidos y cojoneros, chaqueta blazer, pecho y abdomen desnudos, al descubierto, adornados por una cascada de cadenas que, colgando desde su cuello, descendía por su tórax. La curiosidad me dominó y decidí aguardar por su actuación. “Todo o corpo” fue el título de la canción que interpretó en aquella ocasión. Debo admitir que la voz cálida y sensual de este marinense me encandiló. La interpretación de “Todo o corpo”, mientras su mirada mostraba cierto coqueteo con la cámara y el telespectador, me hipnotizó. Pero ahí se quedó su excepcional actuación. Esperé para comprobar si volvía a salir al escenario a interpretar otro tema, pero no fue así, o eso creo recordar; pues es más que posible que, después de un nuevo recorrido, en vano, por la cartelera y la programación televisiva de aquella noche, me refugiase en los acogedores brazos de Morfeo.

Con sólo escuchar una preciosa y única canción y con sólo contemplar una excelente y personal interpretación, me decidí a comprar su primer trabajo discográfico: “Árnica pura”, título que toma el nombre de la árnica, una planta medicinal en peligro de extinción, pero que si se ingiere en dosis muy elevadas puede producir la muerte. Consultando en Internet, descubrí que fue una mujer de las montañas asturianas quien calificó la voz de este artista polifacético como árnica pura, por lo que tras esta comparación, Davide Salvado decidió titular este su primer trabajo con el nombre de esa planta medicinal.

Al día siguiente, tras recordar la breve actuación que este joven músico realizó en aquel programa, me di cuenta de que su rostro masculino y seductor lo había visto antes como componente de la banda de Xosé Manuel Budiño, uno de nuestros magníficos gaiteros actuales. Y es que Davide acompañó a Budiño en sus conciertos y actuaciones, aportando su espléndida voz y sus excelentes dotes musicales a la hora de ejecutar instrumentos de percusión como la pandereta o el pandero.
Con “Árnica pura” descubrí un músico carismático que atrapa con su voz cargada de esencias, de expresión, un músico provocativo y provocador en ciertos momentos, sobre los escenarios, y que atrae con su sola presencia (como así lo comprobé en aquel programa televisivo y visualizando, más tarde, en Internet la presentación de su disco en La Moreneta, en Vigo, el 18 de junio de 2011), un músico que bebe de la savia más pura del folklore gallego, pero también de la música de raíz castellana, portuguesa e incluso cubana.

“Árnica pura” está formado por 12 canciones. La primera de ellas, “Todo o corpo”, mi favorita, y creo que una de las más intimistas y emotivas de este proyecto musical ha sido compuesta por la poetisa gallega Lucía Aldao. Las once restantes como "Marín por ti”, “Tirioni”, “Ay! Amor”, "Serán”o "La hija de Don Juan Alba”, entre otras, fueron escogidas por este músico dentro de una selección personal de canciones gallegas, portuguesas y castellanas, y que forman parte de nuestro rico acervo musical más puro de carácter popular.

El resultado de la colaboración entre Davide Salvado y el productor Eliseo Parra –músico vallisoletano, investigador e impulsor de la música tradicional, a la que dota de aires renovados, y que ha participado en este excelente trabajo- ha sido magnífico, un proyecto que convence y una voz masculina que brilla por su calidez y hermosura dentro de nuestro rico patrimonio musical gallego.

Milladoiro, el sonido de un pueblo y de una cultura única

Escuché, por primera vez, a Milladoiro en mi etapa adolescente, durante las clases de la asignatura de Música de mi primer año de Bachillerato, en el colegio religioso en donde estudiaba, impartidas, precisamente, por una docente religiosa. El grupo ya había sacado al mercado sus dos primeros discos, tras unos trascendentales momentos de cambio político, socioeconómico y cultural que se habían vivido en España. Aquel día, en lugar de escuchar las composiciones de música clásica, a las que tanto yo como mis compañeras estábamos acostumbradas, le tocaba el turno a una incipiente música folk que empezaba a surgir tímidamente en diversas comunidades españolas, además de alguna que otra obra de los cantautores del momento. Entre canciones de Aute, entre las adaptaciones musicales interpretadas por Amancio Prado sobre poemas de Rosalía de Castro, entre los sones de una recuperada música vasca, entre el desafío al olvido y a la negación de una conciencia y de un Pueblo que otro gran grupo emblemático gallego, “Fuxan os Ventos”, expresaba con su preciosa “Sementeira,” y con otras composiciones musicales memorables, allí estaban ellos, los “milladoiros”, allí estaba su inconfundible presencia sonora, su fuerza poética musical llena de emociones, de tradición y de modernidad. No recuerdo qué obras de este mítico grupo gallego escuché en aquella ocasión, ni siquiera a cuál de sus dos primeros trabajos pertenecían, si a su primer disco, “A Galicia de Maeloc”, o a su segundo proyecto, “O berro seco”. Pero aquellas viejas armonías identitarias, aquellas renovadas piezas tradicionales reinterpretadas y modernizadas sobre su esencia legendaria, aquella combinación de vibrantes sonidos melodiosos quedaron grabados para siempre en mi memoria.

Con el transcurrir del tiempo, mis gustos musicales optaron por el pop y el rock, al igual que los de la inmensa mayoría de los adolescentes de entonces. Pero Milladoiro seguía ahí, latente, escondido por algún rincón de mi subconsciente. Cuando años más tarde, tuve la oportunidad de disfrutar de la película “La mitad del cielo”, conducida por uno de los mejores directores del cine español, Manuel Gutiérrez Aragón, y protagonizada por dos grandes actores, Ángela Molina y Fernando Fernán Gómez, allí volvían a estar ellos, los “milladoiros”, perfectamente reconocibles, interpretando su banda sonora, por la que recibieron, además, un Goya, concedido por la Academia de las Ciencias y Artes Cinematográficas de España. Sus inconfundibles melodías llenaban de magia la pantalla y la sala de cine. Unos diez años más tarde y, de nuevo, ante otra película del mismo director, “El rey del río”, volvía a surgir la inequívoca presencia musical de Milladoiro y su mágico y elegante lirismo.

En cuanto mis posibilidades económicas me lo permitieron (hasta entonces los LPs y cintas musicales que entraron en mi casa fueron escasísimos), sin dudarlo, fui adquiriendo todo álbum de Milladoiro (ya en formato de CDs) que veía a la venta en tiendas o en centros comerciales. Y ahí están, de nuevo, esta vez para quedarse, permanentemente, en mi vida, llenando, con su gran música y con sus creaciones universales, un pequeño hueco de una estantería de mi casa, compartiendo protagonismo y espacio con otras grandes formaciones, cantantes e intérpretes del panorama musical gallego. Y es que Milladoiro ha abierto la senda por la que, hoy en día, caminan Luar na Lubre y Leilía (grupos por quienes siento una honda predilección y una verdadera devoción), Berrogüeto, Xosé Manuel Budiño, Mercedes Peón, Carlos Núñez, Susana Seivane, Cristina Pato, Guadi Galego y Uxía Pedreira -que, junto con Abe Rábade, han llevado a término un atractivo proyecto musical, “Nordestinas”-, Uxía Senlle, Na Lúa, A Roda…. y tantos y tantos otros grupos y solistas musicales, estudiosos e investigadores anónimos del folklore gallego que, con sus trabajos, su pasión y esfuerzo, han conseguido poner en valor, recuperar y recrear la identidad musical de una Tierra milenaria, llevándola, por el mundo adelante, con dignidad y orgullo, como así ha hecho Milladoiro a lo largo de sus más de treinta años de existencia.

Milladoiro ha conseguido que ese tesoro musical de cantos populares y viejas melodías como las muiñeiras, las jotas, los alalás, los pasodobles, las polcas, los “pasacorredoiras”, las marchas procesionales y demás ritmos de nuestros ancestros, cantados e interpretados en nuestras aldeas, a lo largo de las labores estacionales del campo, durante los “seráns”, las fiestas, y las romerías, se escuchen, se aplaudan, se respeten y se alaben en los mejores teatros y auditorios de Norteamérica, Sudamérica, Europa, del mismísimo Japón… Ha logrado que nuestros genuinos instrumentos tradicionales -como la zanfoña, el “pandeiro”, la pandereta, la gaita,…- se conozcan y se dignifiquen, al igual que los sonidos que desprenden, en una armoniosa combinación con las notas que emiten instrumentos clásicos universales como el violín, el arpa, la guitarra, el bouzouki, la flauta, el clarinete… Ha conseguido, en definitiva, que gocemos, bailemos y nos emocionemos con todas y cada una de sus piezas musicales, muchas de ellas de honda raigambre popular -que forman parte de nuestro respetable patrimonio musical- y a las que, tan sabiamente, han logrado aplicar matices vanguardistas. A estas olvidadas obras musicales, Milladoiro fue añadiendo otras magníficas composiciones y hermosas melodías creadas por sus integrantes con enorme acierto.

Milladoiro nació de la fusión de “Faíscas do Xiabre” y de “Seaone & Romaní”. Con la formación inicial, constituida por siete integrantes - Antón Seoane, Rodrigo Romaní, Nando Casal, Ramón García, Pepe Ferreirós, Xosé A. Méndez y Laura Quintillán-, dieron sus primeros conciertos en el año 1979. Muy pronto editaron su primer disco y, muy pronto también, empezaron a compartir escenario con los mejores artistas de música folk del mundo.
Aunque a lo largo de estos más de treinta años, algunos de sus miembros han abandonado el grupo (recuerdo, muy especialmente, la salida de uno de sus fundadores, Rodrigo Romaní, en el año 2000, aproximadamente), nuevos y jóvenes talentos musicales se han unido a la indiscutible maestría de los restantes veteranos del grupo –el extraordinario arpista Roi Casal, el magnífico violinista Harry C. (que toma el relevo de Michel Canada que, a su vez, se lo había cedido Laura Quintillán) y el estupendo guitarrista Manu Conde.

Si no me equivoco, son 19 sus discos publicados, además de ser los creadores de diversas bandas sonoras para la televisión y el cine y de otras composiciones musicales destinadas a proyectos o espectáculos concretos, además de colaboraciones con figuras prestigiosas del panorama musical internacional. En cada uno de sus trabajos, estos auténticos artesanos de nuestra música han emprendido un viaje hacia el universo creativo de aquellos músicos y compositores tradicionales anónimos, pertenecientes a unas generaciones que se pierden en el tiempo, y que nos han legado una auténtica riqueza musical. Es la memoria viva y recuperada de aquellos nuestros antepasados, gracias al discurso artístico que Milladoiro ha plasmado en todos y cada uno de sus proyectos, con dedicación y esfuerzo: desde su primer trabajo, “A Galicia de Maeloc”, en el que marcará su estilo, hasta su último proyecto, “A Quinta das Lágrimas”, una verdadera joya musical, rebosante de sonoridad lírica y que, con textos, cantigas y poemas de Pessoa, de Camoes, de Zeca Afonso, de Alfonso X, Airas Nunes, de Cunqueiro, de Manuel Antonio, de José Afonso y las colaboraciones de Laura Amado o de Mafalda Arnauth, recrean la relación secular entre Galicia y Portugal. Cada uno de sus trabajos equivale a cada una de esas piedras que van conformando un gran Milladoiro, empezado a construir hace treinta años. Sólo me cabe esperar que ese Milladoiro siga aumentando y transmitiéndonos su sensibilidad musical durante, al menos, otros treinta años más, o ¿es mucho pedir…..?